Palmares doblemente triste

Quiniela del palmarés

Septiembre 27, 2008 | Autor: admin | Archivado en: Cobertura del 2008, Dcine en el festival

Mi quiniela, esa que casi nunca logro acertar es:

Concha de Oro a la mejor película
Me la juego con: RÍO HELADO (Frozen River) de Courtney Hunt (EEUU)
Me gustaría que ganara: STILL WALKING (Todavía andando) de Hirokazu Kore-Eda (Japón)
Un jurado juguetón podría optar por: CAMINO de Javier Fesser (España) o LAILA’S BIRTHDAY de Rashid Masharawi (Palestina)

Concha de plata al mejor director
Me la juego con: JAVIER FESSER por Camino
Me gustaría que ganara: HIROKAZU KORE-EDA por Still Walking
Un jurado juguetón podría optar por: MICHAEL WINTERBOTTOM por Génova

Concha de plata a la mejor actriz
Me la juego con: CARMEN ELÍAS por Camino
Me gustaría que ganara: MELISSA LEO por Río helado (Frozen River)
Un jurado juguetón podría optar por: NEREA CAMACHO por Camino

Concha de plata al mejor actor
Me la juego con: ULRICH THOMSEN por Fear Me Not
Me gustaría que ganara: CHARLIE McDERMOTT por Río helado (Frozen River)
Un jurado juguetón podría optar por:  COLIN FIRTH por Génova o MOHAMED BAKRI por Laila’s Birthday

Premio especial del jurado
Me la juego con: CAMINO de Javier Fesser (España)
Me gustaría que ganara: RÍO HELADO de Courtney Hunt (EEUU)
Un jurado juguetón podría optar por: TIRO EN LA CABEZA de Jaime Rosales (España) o GÉNOVA de Michael Winterbottom

Premio del jurado al mejor guión
Me la juego con: STILL WALKING
Me gustaría que ganara: GÉNOVA
Un jurado juguetón podría optar por: LAILA’S BIRTHDAY o LA BELLE PERSONNE

Premio del jurado a la mejor fotografía
Me la juego con: RÍO HELADO (Frozen River)
Me gustaría que ganara: STILL WALKING
Un jurado juguetón podría optar por: GÉNOVA

El palmarés será anunciado HOY sábado a las 16:00 horas de la tarde, en rueda de prensa. Suerte a todos.

Firmado por: “Reverendo” Harry Powell

Apuntes para el ocaso

Septiembre 26, 2008 | Autor: admin | Archivado en: Cobertura del 2008, Dcine en el festival

Hora de repasar todo lo visto y lo no visto para poder hacer el resumen de lo que han sido estos 10 días aquí, para que a la vez pueda servir de termómetro particular sobre las películas, las actuaciones o los hechos que más me han gustado de lo visto tanto dentro como fuera de las salas (aunque fuera he estado más bien poco).

De entre lo visto de la Sección Oficial:
La película que más me ha gustado y que por tanto vería con buenos ojos que se alzara con la Concha de Oro de esta edición ha sido: STILL WALKING de Hirokazu Kore-Eda (JAPÓN)
Las otras películas de esta sección que han obtenido buenas críticas por mi parte han sido: CAMINO de Javier Fesser (ESPAÑA), LA BELLE PERSONNE de Christophe Honoré, LA CAJA DE PANDORA “Pandora’s Box” de Yesim Ustaoglu (TURQUÍA) y RÍO HELADO “Frozen River” de Courtney Hunt (EEUU).
No me han gustado nada de nada:
TIRO EN LA CABEZA de Jaime Rosales (ESPAÑA) y EL CABALLO DE DOS PIERNAS (Two-Legged Horse) de Samira Makhmalbaf (IRÁN).

De entre las interpretaciones femeninas (menuda papeleta le queda al jurado) yo me quedaría con:
MELISSA LEO (”Frozen River”), CARMEN ELÍAS (”Camino”), NEREA CAMACHO (”Camino”), VERÓNICA ECHEGUI (”El patio de mi cárcel”) y TSILLA CHELTON (”Pandora’s Box”).
La elección para mejor actor es más rebuscada, ya que no ha habido actuaciones destacadas, pero entre las vistas me quedo con: YOSHIO HARADA (”Still Walking”), CHARLIE MACDERMOTT (”Frozen River”), OSCAR MARTINEZ (”El nido vacío”) y ULRICH THOMSEN (”Fear Me Not”) - aunque este último me muevo por referencias de aquellos que si lo han visto.

De entre lo visto en la Sección Zabaltegui (Perlas de otros festivales):
Tan sólo confirmar que las siguientes películas se tienen bien ganado todos los halagos y premios que les precedían y que no tenéis que dejar de ver LAKE TAHOE de Fernando Eimbcke (ARGENTINA), LA CLASE (Entre les Murs) de Laurent Cantet (FRANCIA), HUNGER de Steve McQueen (IRLANDA), HAPPY. UN CUENTO SOBRE LA FELICIDAD de Mike Leigh (REINO UNIDO) y,  aunque no las he visto, QUEMAR DESPUÉS DE LEER (Burn After Reading) de los Hnos. Coen (EEUU) y LIMONEROS (Lemon Tree) de Eran Riklis (ISRAEL).

De entre lo programado en Zabaltegui (Nuevos directores):
THOMAS de Miika Soini (FINLANDIA), BLOOD BROTHERS de Arno Dierickx (HOLANDA) y EL TRUCO DEL MANCO de Santiago A. Zannou (ESPAÑA)

De entre la siempre gratificante Sección Horizontes Latinos:
Una maravilla titulada LEONERA de Pablo Trapero (ARGENTINA), una estimulante PERRO COME PERRO de Carlos Moreno (COLOMBIA), una película valiente titulada LA RABIA de Albertina Carri (ARGENTINA) y una cinta esperada con título ACNÉ de Federico Veiroj (URUGUAY), además de buenas referencias para PARQUE VÍA de Enrique Rivero (MÉXICO).

Y porque no, enumeraré los hechos y anécdotas que más me han llamado la atención, así como los momentos cinematográficos que me han dejado huella:

1.- La enorme afluencia de público durante el festival, llenando las salas (incluso en los pases de prensa), y confirmando que este es el festival de la gente, y que la crisis ha quedado aparcada unos días.

2.- El espléndido tiempo que nos ha hecho, todos los días con sol, con ausencia de lluvia, y con una temperatura que invitaba más a disfrutar de la playa y del paseo que del interior de las salas.

3.- El optimismo que se ha contagiado entre todos nosotros, organización, prensa, profesionales, público, desde el primer día sólo se han visto las cosas positivas de un festival que parece relanzarse con esta edición (y tras ver como Berlín, y sobre todo Venecia se están marchitando).

4.- El nivel medio de las películas ha competición ha sido notable, así como su diversidad.

5.- El acierto con la apuesta segura de atraer al mayor número de famosos para que dejen la estela de glamour, la lista ha sido amplia y con ello se ha visto recompensado el festival, los medios, la ciudad y el público, y si además los que vienen se enrollan, pues perfecto.
Personajes como Ben Stiller, Robert Downey Jr., Javier Bardem, Antonio Banderas, Pedro Almodovar, Meryl Streep, Woody Allen, Miguel Ángel Silvestre, Jonathan Demme, John Malkovich, Paul Thomas Anderson, Leomor Watling, Michael Winterbottom, Colin Firth, Lucia Jimenez, Carmelo Gómez, Pablo Trapero, Kore-Eda, y más que me estoy dejando, son un perfexto reclamo para aficionados al cine, periodistas de todo el mundo, y para el ambiente en general.

6.- Este ha sido el festival del DRAMA FAMILIAR, multitud de propuestas han girado alrededor de la familia, las cuentas pendientes, la problemática entre padres e hijos, y demás situaciones que afectan a la vida en familia, la hemos podido ver desde mil perspectivas.

7.- Las dos películas que se llevan la palma de las más lacrimógenas han sido EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS y CAMINO, sin duda han sido las que más demanda de pañuelos han provocado.

8.- No estaban en la Sección Oficial y es por ello que no entran en ninguna quiniela, ni premio, pero he de destacar la especial interpretación de la actriz británica Sally Hawkins en Happy. Un cuento sobre la felicidad (para posible nominación al Oscar), la extrema crudeza de las imágenes de la irlandesa Hunger, la gratitud de los espectadores por regalarles tan buenos momentos de diversión visionando Quemar después de leer y Tropic Thuner, el destacable trabajo de Penélope Cruz en Vicky Cristina Barcelona que le podría reportar que se puedan volver a acordar de ella este año en los Oscar, el éxito inesperado de la Retrospectiva Japón en negro (ni los mismos japoneses se lo creían).

9.- Por cierto, alucinados debieron quedarse muchos de los espectadores que acudieron a los Cines Antiguo para ver la película de los Hnos. Coen un día cualquiera cuando vieron entrar a la pareja Stiller y Downey Jr. con la intención de verla ellos también, sorpresa que se llevaron, ¿les dejarían salir del cine?…

10.- A pesar del buen tiempo, hubo tres huracanes, uno se llamó Miguel Ángel Silvestre, el otro Martín Rivas y el último Hugo Silva, ambos levantaban aires de locura allá por donde pasaban, sobre todo entre las féminas.

11.- Un apregunta, ¿El rosa capote se mantendrá para próximas ediciones?, lo sabremos dentro de 12 meses.

12.- Kim Ki-Duk (al igual que Lars Von Trier hace un par de años) tuvo que dar su rueda de prensa a través de video conferencia al no poder viajar por motivos de salud, la verdad, es un método que llama la atención a pesar de vivir en un mundo rodeado de modernidades.

13.- Diez días en los que se ha podido ver un número muy elevado de actuaciones femeninas de gan altura, momentos conmovedores como los de Nerea Camacho en Camino, o Martina Gusman en Leonera, o Melissa Leo en Río Helado, espectaculares.

14.- El descubrimiento de dos personajes de lo más frikis, con los que me lo pasé muy bien, que los añado a mi colección y recuerdo, y que me tiene aturdido por haberlos descubierto en toda una sección oficial de un festival, sus nombres LOUISE y MICHEL.

Mañana por la mañana colgaré mi quiniela, esa quiniela que nunca acierto, y por la tarde será el momento de conocer el palmarés de esta 56ª edición del Festival de Cine de San Sebastián.

Firmado por: “Reverendo” Harry Powell

Crónica del día (viernes)

Septiembre 26, 2008 | Autor: admin | Archivado en: Cobertura del 2005, Dcine en el festival

EL NIDO VACÍO de Daniel Burman
SECCIÓN OFICIAL

El nido vacío explora el vacío que se produce cuando los hijos crecen y se alejan del hogar, acto que revela bruscamente las grietas (ocultas durante años por el ruido y caos cotidiano de la vida familiar) existentes en un matrimonio.
El nido vacío es Leonardo, un exitoso aunque algo hastiado escritor, quien se encuentra en esta situación. Incómodo en las situaciones sociales que su vida como parte de la clase media en Buenos Aires requieren, Leonardo se comporta como un hombre al borde de una crisis de edad mediana, indulgente hacia sus neurosis y fóbico hacia los cambios que ocurren a su alrededor.

Uno de los éxitos en Argentina este año, la última película de un director ya asentado en una posición de privilegio dentro del panorama internacional tras “Esperando al mesías”, “El abrazo partido” o “Derecho de familia”, protagonizada por Óscar Martínez y Cecilia Roth y coproducido por la compañía española Wanda Films.
Y… una película ágil, sólida (bien filmada) y entretenida (siempre acude a esos golpes de humor negro aunque la escena sea más bien dramática), una historia íntima y tradicional (aunque con elementos que pueden llevar a confusión), un conjunto algo irregular y quizás un pelín desaprovechado.

El actor Óscar Martinez es quien soporta el peso de la película, y lo lleva dignamente, es un personaje “burgués” con altibajos familiares e infinidad de neuras, momentos que son bien aprovechados por el director para dar rienda suelta a esos diálogos pintorescos con los que suele regar cada uno de sus guiones.

No es una película redonda, tampoco es fallida, se deja ver, aunque no enamora, todo encaja, pero a la vez te enreda, nunca decae, pero tampoco despega, no esperas más de la historia, pero si de los personajes. Se queda, en mi opinión, entre dos aguas.

PUNTUACIÓN: 7,5 (sobre 10)

SUEÑOS (Dream) de Kim Ki-Duk
SECCIÓN OFICIAL

Jin se despierta de una pesadilla en la que ha tenido un accidente de tráfico de camino a casa de su ex novia. El sueño le lleva a ese lugar, donde se encuentra con las consecuencias de un accidente ocurrido de la misma forma que en su pesadilla. Sigue a la policía hasta la casa de la sospechosa y ve a Ran negar la acusación de provocar el accidente y darse a l a fuga, alegando que ha estado dormida toda la noche. Jin les cuenta su sueño y pide que le acusen a él en su lugar. Sin embargo, la policía no lo tiene en cuenta y arresta a Ran. Jin está seguro de que existe una conexión inexplicable entre los dos. Por fin descubre que mientras él sueña, Ran actúa según lo soñado mientras duerme.

El prestigioso director coreano Kim Ki-duk, autor de The Isle (La isla), 3-Iron (Hierro 3), Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring (Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera) y Time, compite por primera vez en la Sección Oficial con Dream.

Me da la impresión de que el director coreano esta rizando demasiado el rizo, buscando el más dificil todavía en el tema de las relaciones de pareja y los sentimientos de amor y odio, tengo la sensación de que no se ha puesto límites para explorar estos temas y cada vez se nos está yendo más “hacia los cerros de Úbeda”. La premisa es siempre atractiva y deductora, el imaginario particular es desbordante, la decisión de sorprender con cada nueva es de agradecer, pero empieza a cansar porque sencillamente su desarrollo empieza a parecerme a otras propuestas, ya tuvimos bastante con Hierro 3 (una de las maravilas del cine moderno).

Realidad y ficción se confunden, recurso ya utilizado por Kim en “Time”, la imagen sigue siendo su seña de identidad, aunque en este caso es menos bella de lo habitual, sus actores transmiten dolor y sufrimiento e invitan a que les acompañemos, pero no cuela, toda el desarrollo de la historia va encaminado hacia un final poético (como suele ser habitual), y así es, pero no por ello esperado y menos poético de lo habitual.

Al final tengo la sensación de haber asistido a una película mucho más convencional de lo que se espera de un director del que siempre se espera que nos seduzca, nos sorprenda, y nos transmita, con ese universo tan particular que él sólo sabe dar, con esas gotas de violencia extrema casi siempre incómodas, con esa maestría para visualizar el arte de lo mínimo. No creo que estemos ante una apuesta digna de compararse a obras como “La isla”, “Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera” o “Hierro 3″.

PUNTUACIÓN: 6,5 (sobre 10)

LEONERA de Pablo Trapero
HORIZONTES LATINOS

Julia despierta en su apartamento cubierta por los cuerpos ensangrentados de Ramiro y Nahuel. Ramiro todavía vive. Ambos han sido sus amantes y uno de ellos la ha dejado preñada. Julia es encerrada en una prisión especial para madres solteras y embarazadas. El niño finalmente nace y la madre tendrá que cuidarlo tras los barrotes a pesar de las dificultades.

El título de la quinta película de Trapero juega con el doble sentido de esta palabra en su país: por una parte se refiere a las celdas de tránsito, donde los presos esperan ser llevados a otra parte; y también puede emplearse cuando se habla de una madre acaparadora.
Interpretada magistralmente por la mujer del director, Martina Gusman “recrea un personaje transformador, intenso, solitario, que descubre a través de la maternidad otra faceta en ella y la convierte en una leona y le hace recuperar el sentido del amor”, como la misma actriz ha manifestado.
Y ahí es donde está el acierto del film, en ver como esa mujer pasa de ser alguien perdido, sin vida, sin valores, sin capacidad para luchar, en alguien con la suficiente fuerza para cambiar, para luchar, para tirar para adelante con lo poco que le queda en la vida, ese hijo nacido en cautividad.

No es una película de cárceles, no es una historia de emotividades, no es un mosaico de desdichas, es pura y llanamente la historia de una mujer que encontró la razón para ser otra, encontró la motivación suficiente para darle luz a todo lo que hasta entonces había sido oscuridad, una mujer que va a ver como con caa día que pasa crece en ella un fuerte sentimiento de amor que le hará mucho más fuerte para superar las adversidades.
Y el rostro de Martina Gusman hace de espejo del alma, al verla sabemos como se encuentra, al mirarla sabemos que su transformación está cobrando vida, y que todo lo que le ocurre sólo conseguirá hacer más fuerte a la “leona” que lleva dentro.
Se entiende perfectamente como ella es incapaz de luchar para si misma, que no tiene fuerzas para pelear por su destino, que está rendida ante lo que le está pasando, y como poco a poco reacciona, poco a poco se cubre de energías y poco a poco es capaz de luchar con todas sus fuerzas.

Por cierto, el director se ha enterado durante su estancia en San Sebastián de que su película es la candidata por Argentina para representarla en los Oscar de Hollywood, buena suerte.

PUNTUACIÓN: 8,5 (sobre 10)

Firmado por: “Reverendo” Harry Powell

Crónica del día (jueves)

Septiembre 25, 2008 | Autor: admin | Archivado en: Cobertura del 2008, Dcine en el festival

MAMA ESTÁ EN LA PELUQUERÍA (Maman est chez le coiffeur) de Lea Pool
SECCIÓN OFICIAL

Verano de 1966. Es el momento de disfrutar de las vacaciones de verano, de la libertad total, de correr salvajemente por el campo y de divertirse con los amigos. Pero a medida que se hace más consciente de los sueños, penas y mentiras de la gente más cercana a ella, Élise ve cómo el repentino abandono de su madre trastorna completamente su familia. Su padre se encuentra abrumado ante la situación. Elise decide tomar las riendas de una familia que navega a la deriva.

Décimo trabajo ya el de una directora poco conocida por estos lares pero con suficiente bajaje como para afirmar que en Canadá hay vida después de Denys Arcand, y con esta película lo demuestra.
Con la infancia como telón de fondo, la película narra una historia familiar ambientada a mediados de los sesenta, la excusa perfecta para embarcarnos en un viaje a medio camino entre la comedia y el drama. Con aire especial años 60/70, el film resulta ser amable y bastante estimulante, con unos niños especialmente integrados en una historia que vuelve a hablarnos de, como no, un drama familiar. Y digo lo de los niños, porque son los verdaderos protagonistas de la historia, porque a través de ellos vamos viendo como esa familia ve desmoronarse su cómoda vida.

Todo está en su sitio, la elaborada recreación de un pequeño lugar junto a un gran río, los personajes familiares, los amigos y vecinos, los sutiles desencuentros que desencadenan el desmoronamiento, la música que acompaña esos calurosos días de verano, las ligeras notas de humor (casi siempre provenientes de esos inolvidables encuentros entre críos), los coches de época, todo encaja.

Te sientes a gusto cuando sales del cine, sintoma inequívoco de que me he involucrado en la vida de esa familia canadiense, en sus momentos felices y en los no tan felices, siguiendo con atención cada uno de los movimientos que los tres hermanos han de realizar para que su vida continue de la forma más parecida a como había sido hasta entonces. Y a destacar la sobriedad de la hermana mayor, una niña que en la mirada me recordaba a la Cristina Ricci de sus inicios, acumulando la mayor parte de las escenas del film.

Al estilo de Génova de Winterbotton, no es película de la que se espere grandes cosas ni que contenga relevanes mensajes, es película bella, agradable, fresca, y muy bien contada. Un buen ejemplo de como hay que contar esas pequeñas historias enclavadas del pasado que bien podrían ser ejemplos del presente.

PUNTUACIÓN: 7,5 (sobre 10)

RACHEL GETTING MARRIED de Jonathan Demme
ZABALTEGUI - ESPECIALES

La película enseña los preparativos y la celebración de la boda de Rachel, a quien da vida Rosemarie DeWitt, cuya hermana Kym, interpretada por Anne Hathaway, acaba de abandonar un centro de rehabilitación para drogadictos. Todos los demonios familiares de la relación entre las hermanas, entre los padres y entre padres e hijos, nacidos a partir de una tragedia, se desatan durante los preparativos y la celebración de la boda, en muchas ocasiones en presencia de los invitados.

Ya se dijo en Venecia (hay que recordar que estuvo presente en la Sección Oficial de ese festival), el film recuerda y mucho al film danés iniciador del movimiento Dogma “Celebración”, y se le parece por tener un tratamiento casi documental, porque se intuye que los planos no están planificados, porque todo se desarrolla de forma natural, porque deja a los actores mucha libertad (aunque si exite un guión), se olvida de los efectismo visuales, la música es en directo (por cierto de relumbrón y muy variada), porque el mismo director lo digo “quería que el film fuera lo más Dogma posible”.

En la parte que se distancia de los directores europeos del dogma (a los que homenajea sin reparos) es en que le ha salido una película blandita, mo demasiado emotiva cuando se acerca la hora de abordar los dramas familiares, sosa por momentos, demasiado densa cuando salen a relucir esas largas parrafadas “made in EEUU” que parecen sacadas de un manual de psicología humana.
Si que merece una nota especial la actuación de Anne Hathaway, actriz que gusta a muchos y que aquí se marca una interpretación de altura, ella es la gran baza que tiene este film (a pesar de no ser la Rachael del título, sino Kym, la hermana de la que va a casarse), ella tiene la fuerza suficiente para que cada vez esté presente, cada vez que hable o cada vez que mire, toda esa palabrería no se convierta en pesadez, ella es quien le da salsa a la boda, ella consigue resucitar lo que de otra forma hubiera sido una “fashion y pija” boda interracial, con amigos “megaguays”, y padres haciendo su papel de forma tardía, como es constumbre.

No es el Jonathan que muchos esperamos, es más bien un pequeño ejercicio de un cineasta al que siempre le pediremos “corderos” en vez de “dogmas” o “documentales”, tiempo al tiempo, porque hay que suponer que el tuvo retuvo.

PUNTUACIÓN: 6 (sobre 10)

LA CLASE (Entre les murs) de Laurent Cantet
ZABALTEGUI - PERLAS DE OTROS FESTIVALES
Palma de Oro en el Festival de Cannes

François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto difícil, situado en un barrio conflictivo. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años. No duda en enfrentarse a Esmeralda, a Souleymane, a Khoumba y a los demás en estimulantes batallas verbales, como si la lengua estuviera en juego. Pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos. François y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Llenos de buenas intenciones, deseosos de aportar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula, microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor que no cobra bastante. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos.

A medio camino entre la ficción y el documental que narra la vida cotidiana de una clase de instituto.
Verborrea, discursos, debate, una cámara puesto en favor de la disputa democrática entre un profesor de francés con facilidad para meter el dedo en la llaga y unos alumnos con mucha facilidad para desenfundar rápido.
Con tacto y delicadeza, Laurent Cantet muestra las dificultades del colegio en la Francia de hoy, pero también los esfuerzos, las esperanzas y los logros de los profesores cuyo compromiso al servicio de los alumnos (por lo menos en lo que concierne a este colegio) es ejemplar.

Ejemplo tremendamente didáctico de lo que se cuece en la sociedad estudiantil de la Francia de hoy en día, buen material para exponer en nuestros colegios, documento sociológico que no debería faltar en la videoteca de las universidades de cualquier lugar, 130 minutos con mucha, mucha miga.

Cuando más se disfruta es con los momentos de “enfrentamiento” de tú a tú entre profesor y alumnos, en esos largos debates entre quien necesita que los alumnos participen y despierten de su somnolencia, y quienes no tienen inquietudes más allá de los juegos, el deporte, la calle o la fiesta.

Siéntense en el cine más próximo a su casa (pronto estreno gracias a Golem) y dejense llevar por este trozo de vida en directo (nada que ver con Gran Hermano).

PUNTUACIÓN: 9 (sobre 10)

Firmado por: “Reverendo” Harry Powell

Crónica del día (miércoles)

Septiembre 24, 2008 | Autor: admin | Archivado en: Cobertura del 2008, Dcine en el festival

CAMINO de Javier Fesser
SECCIÓN OFICIAL

Inspirada en hechos reales, CAMINO es una aventura emocional en torno a una extraordinaria niña de once años que se enfrenta al mismo tiempo a dos acontecimientos que son completamente nuevos para ella: enamorarse y morir. CAMINO es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella y que pretenden inútilmente sumir en la oscuridad su deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz.

Una chica de 11 años, hija de miembros de Opus Dei, que debe enfrentarse al prohibido primer amor mientras descubre que quizás no le quede mucho tiempo en la Tierra para disfrutarlo. Esta es la premisa y en ella se mueve la película, tanto en los momentos cómicos como en los dramáticos, en los momentos de cruda realidad como en los mágicos, en los religiosos y en los mundanos, para bien o para mal, esta es una película que se la recordará por su mordaz crítica sobre el fanatismo religioso y más concretamente el Opus Dei, que por la preciosa historia de amor inalcanzable que la protagonista sufre en sus propias carnes.
Una historia basada en hechos reales sobre una niña llamada Alexia Gonzalez-Barros, una niña que murió tras diez meses de larga enfermedad (en el Hospital de Pamplona) y cuyo proceso de beatificación está abierto desde hace varios años.

En palabras del propio Fesser: “una película de personajes de carne y hueso, de ideologías, de posiciones diferentes ante la vida, de puntos de vista a veces tan enfrentados que, al convivir, destapan sus contradicciones”. “Una historia de amor, del primer amor, ése que jamás se olvida”.

Yo me quedo con la vida de esa niña, y me aparto del componente religioso. No soy imparcial ya que no comulgo con los postulados religiosos, y menos con los del Opus Dei, no entiendo el fanatismo religiosos que procesan, ni comparto esa forma de entender la vida y la muerte, así que mi crítica siempre sería de asco y rechazo, el mismo sentimiento que he tenido en cada fotograma en el que se hablaba de Dios, de la Virgen, de rezar, de los ángeles celestiales, del perdón divino, de dar gracias a Dios por todo, (casi cada minuto).
Paso olímpicamente del tema.

Que grande Nerea Camacho (la niña protagonista), que linda, que ojos, que mirada, que gracia “celestial” jejejeje, la verdadera triunfadora de este trabajo, con una fuerza interpretativa tal que sólo podemos esperar a que se asome en el siguiente fotograma, se come la pantalla, te enamora con su voz, su sola presencia, transmite alegría, transmite dolor, transmite tristeza, es el descubrimiento del año, UNA LUZ QUE BRILLA SIN PARAR.
Carmen Elías (uno de los papeles que dan relamente miedo, dificil de digerir, y supongo que de afrontar), Mariano Venancio y Manuela Vallés le secundan de forma admirable, pero sólo he tenido ojos para ella, desde aquí mi admiración, desde hoy Camino siempre será ella.

PUNTUACIÓN: 8 (sobre 10)

HAPPY. UN CUENTO SOBRE LA FELICIDAD de Mike Leigh
ZABALTEGUI - NUEVOS DIRECTORES

Poppy (Sally Hawkins) es profesora de primaria en una escuela en Londres. Es una mujer alegre, divertida, optimista, un espíritu libre que se toma la vida tal como viene. Un día, al salir de una librería descubre que le han robado la bici, pero en lugar de enfadarse reacciona con buen humor y de manera relajada. Decide así no comprarse otra bici y aprovechar para sacarse el carné de conducir. Su instructor se llama Scott y es un neurótico de unos treinta años que no encaja muy bien con el carácter abierto y hablador de Poppy. Más bien contrasta radicalmente con la naturaleza amable de su alumna. Poppy ignorará los comentarios desagradables de Scott e intentará tomarse su desacertada actitud con humor. A medida que se conozcan, Poppy acabará enseñando al instructor más de lo que él puede enseñarle a ella…

El director de “El secreto de Vera Drake” y “Secretos y mentiras” no podía fallarme, estaba con ganas de ver su nueva película y de confirmar el buen hacer de su protagonista la poco conocida actriz británica Sally Hawkins y…
que la película me ha encantado, me ha divertido, y sobre todo, su protagonista me ha maravillado, es la estrella gracias al guión (pedazo de personaje el que le ha regalado el director), pero por encima de todo, por su caracterización de niña “feliz”, no puede pasar desapercibida ante el espectador, su trabajo es de admirar, no me estraña que se alzara con el Premio a la mejor Actriz en el pasado Festival de Berlin.

La cinta nos muestra a una alegre profesora de primaria que ve la vida siempre con una mirada optimista. Sin embargo, esta vida esperanzadora que llevaba se verá puesta a prueba cuando empiecen a salirle mal las cosas, y atraviese diversos problemas.
Ojalá esistieran de verdad personas así, otro gallo nos cantaría, pero la cruda realidad nos dice que no es así, seguro que las hay, es más yo conozco a alguien que se le parece, es por ello que me creo a pies juntillas su caracterización, y es que debes hacer un esfuerzo por creerte una forma de ser llevada hasta los límites de lo irreal, una persona siempre alegre, siempre chispeante, siempre presta, amiga de todos, sin malicia,… dificil ehhhhh pues te la crees.

Hay escenas muy logradas, de esas que te hacen reir a carcajadas, hay conversaciones en el guión que te arrancan una sonrisa, hay un personaje que no para de transmitir buen rollo, hay dos horas de cine para todos los públicos, para pasar buenos momentos, para saborear cine europeo de calidad, para arrinconar los malos momentos que todos tenemos y compartir la pequeña vida de alguien llamado “Poppy”, alguien de quien seguro no nos olvidaremos facilmente muchos de nosotros.

Si hay justicia al otro lado del charco (que a veces lo dudo), nominación para mejor actriz para Sally Hawkins.

PUNTUACIÓN: 8,5 (sobre 10)

STILL WALKING de Hirokazu Koreeda
SECCIÓN OFICIAL

La película presenta un drama familiar y transcurre en un día de verano, en el que unos hijos ya adultos visitan a sus ancianos padres, que han vivido durante décadas en la residencia familiar. El hijo y la hija vuelven, junto con sus respectivas familias, para una reunión inusual, con el fin de conmemorar la trágica muerte del hijo mayor, que falleció en accidente quince años atrás. Aunque el caserón y el menú de la madre apenas hayan cambiado con el paso de los años, se aprecian ligeros cambios en cada miembro de la familia. Se trata de una típica familia, donde reinan el amor, los rencores y los secretos.

Mezclando el humor y la melancolía, Kore-eda nos relata cuán agradable y engorrosa puede resultar la familia.
Los integrantes de cualquier familia del mundo se reunen después de mucho tiempo alrededor de una mesa (seguro que lo habéis vivido), todos vivieron experiencias pasadas que han querido olvidar, pero para eso están los mayores, para recordarnos una y otra vez que ellos no olvidan (seguro que lo habéis vivido), los más jóvenes no comprenden muchas de las cosas que se hacen o se dicen (seguro que lo habéis vivido), la eterna lucha entre las constumbres ancestrales y las nuevas normas de la vida moderna (seguro que lo habéis vivido), los reproches, los que siempre quieren mediar para aliviar tensiones, la madre que por fin se siente liberada de hablar en voz alta sobre cosas que antes callaba, la hermana que mejor calla, el hermano que sufre el silencio,…
Un cuadro de la vida misma, un trozo de vida en directo, dos horas de vida.

Su tercera participación en San Sebastián, tras After Life (1998) y Hana (2006) se salda por ahora con una nueva lección de cine realista, ese cine que indaga entre nuestras vidas, entre nuestros problemas, entre las cuentas pendientes que casi nunca se saldan. Cine basado en la palabra, en la complicidad de los actores, en la dulzura de las imagenes, en la sencillez de formas, en que todo fluya de forma natural, para que la historia esté despojada e artificios y por si sola sea capaz de atraparnos en nuestras butacas.

No es la primera ni la última película con esta temática que se ha hecho, no hay más que darse una vuelta por el cine nórdico o el propio cine asiático para poder ver excelentes ejemplos del mismo, pero no se, hay algo en este director que lo hace diferente, y creo que es su trabajo con los actores, todos extraordinarios, todos rayando a un nivel escepcional, una delicia.

Bien podría ser la ganadora, dese luego tiene los ingredientes para ello, pero es cosa de Jonathan Demme y los suyos.

PUNTUACIÓN: 9,5 (sobre 10)

COSAS INSIGNIFICANTES de Andrea Martínez
ZABALTEGUI - NUEVOS DIRECTORES

Esmeralda (Paulina Gaitán) es una adolescente huérfana, de cuyo trabajo dependen su abuela y su hermana pequeña, que va atesorando en una caja de madera que guarda bajo la cama pequeñas cosas que encuentra por la calle.
A través de tres de esos objetos, un papel con un número de teléfono, un caballito de mar de papiroflexia y una flecha de cartón coloreada, se irá descubriendo lo que se oculta tras ellos en una estructura de historias cruzadas, de existencias marcadas por hechos dolorosos, a las que la realizadora acaba dando un soplo esperanzador.

Los secretos, el dolor, el desamor, el abandono o la infidelidad son parte esencial de muchas vidas, aunque a veces se escondan tras los objetos más banales. Llevada de esta premisa, la directora mexicana Andrea Martínez Crowther ha rodado su opera prima en una coproducción entre Mexico y España, con actores de ambos paises (Lucia Jimenez y Carmelo Gómez por lo que nos toca), y con el apoyo del mismísimo Guillermo del Toro en la producción.

Lo importante no son los objetos que la niña colecciona y guarda, lo importante son las historias que hay detrás de las personas que tienen relación con ellos, el problema es que son historias todas ellas dramáticas y están filmadas como si de un cuento se tratara, de tal forma que no transmiten el dolor necesario para que las introduzcamos en nuestra propia caja de sentimientos.
Todas las historias transcurren de forma suave y sencilla, están conexionadas, y son creibles, pero no pasan de ahí, se las ve desde la lejanía, en ningún momento nos acercamos a ellas porque la directora no nos deja acercarnos, ni al psicólogo que no ve a su hija desde hace 20 años, ni a ese matrimonio que sufre en silencio una infidelidad, ni el hijo secreto de una chica bien posicionada al que se le diagnostica una grave enfermedad, ni el de la propia niña huérfana que quiere escapar de ese lugar, no sufres por ninguna de ellas, sólo las ves pasar ante tus ojos con cierta indiferencia.

Todo bien puesto, todo bien organizado, un guión elaborado, pero le falta alma, le falta tensión, le falta fuerza, se queda en un mero debut de alguien que a los ojos de Guillermo del Toro promete pero a la que le falta mucho por aprender sobre como plasmar las relacionas humanas con mayor garra.

A destacar la inmensa belleza de la actriz mexicana Barbara Mori, un bellezón en toda regla, veterana de las series de televisión en su país y que ahora está haciendo sus pinitos en la granm pantalla, y amén que los ojos lo agradecen, además de que no lo hace nada mal.

PUNTUACIÓN: 6,5 (sobre 10)

PRADOLONGO de Ignacio Villar
MADE IN SPAIN

Pradolongo es la historia de tres amigos da infancia que ven deteriorar su amistad a medida que los intereses de clase y los sentimientos amorosos entran en sus vidas. Raquel, Martiño y Armando son tres amigos que acaban de cumplir su mayoría de edad. El verano se presenta como todos los demás, con fiestas, tardes en el río…, pero esta vez nada va a ser igual. El amor que los dos muchachos comienzan a sentir por Raquel y la posible venta, a la pezarrera del padre de Armando, de Pradolongo, un prado de alta montaña perteneciente a la familia de Martiño, los obliga a reconsiderar los sueños y los vínculos que los mantuvieron unidos desde la infancia.

Galardonada con el Premio “Ciudad de San Sebastián Film Commission” en reconocimiento al interesante reflejo de los valores urbanísticos, paisajísticos, culturales y sociales de Galicia, dónde fue rodada la película. Así lo ha decidido el jurado compuesto por especialistas del mundo de la industria audiovisual: las actrices Natalia Verbeke y Alicia Borrachero; el prestigioso decorador Pascua Ortega y el periodista y escritor Manuel Hidalgo.

Historia muy englobada en un cine didáctico sobre la problemática entre la industria y la vida rural, en este caso entre la industria de la extracción de pizarra y la ganadería de las zonas rurales de la provincia de Ourense.
Rodada en gallego y con actores de galicia, estamos ante un sencillo film cuya historia no tiene demasiada miga pero que se nota que está hecha con amor y con cariño, hay un buen trabajo por parte de los actores jóvenes, se deja ver porque no hace daño a nada ni a nadie, y vale como excelente propaganda tanto de la problemática que denuncia como de la zona de la comarca de Valdeorras en donde ha sido rodada.

Pradolongo es un pequeño lago situado en la montaña, rodeado de verdes praderas, y lugar donde siempre han jugado los jóvenes protagonistas, donde siguen reuniéndose para estar sólos, y donde se sienten libres de las presiones de la vida en la ciudad. Pradolongo peligra, al igual que la relación de amigos que siempre han tenido, pero no os preocupéis, las buenas intenciones que siempre pululan por la película se mantienen hasta el final, todo queda como debería estar, no hay sorpresas.

PUNTUACIÓN: 6,5 (sobre 10)

Firmado por: “Reverendo” Harry Powell

Crónica del día (martes)

Septiembre 24, 2008 | Autor: admin | Archivado en: Cobertura del 2008, Dcine en el festival

TIRO EN LA CABEZA de Jaime Rosales
SECCIÓN OFICIAL

Ion es un tipo aparentemente normal. Se levanta por la mañana, desayuna, arregla sus cosas, se reúne con unos abogados. Una noche en una fiesta conoce a una chica. Pasan la noche juntos en el apartamento de ella. Su vida transcurre sin sobresaltos. Una llamada en una cabina de teléfonos; un encuentro con un amigo; pequeñas situaciones cotidianas sin importancia. Un día se sube en un coche con otras dos personas. Cruzan la frontera a Francia. Pasan la noche en casa de un matrimonio. A la mañana siguiente un encuentro fortuito en una cafetería de carretera acaba con la vida de dos guardias civiles vestidos de paisano.

Durante una hora, el filme muestra la vida absolutamente normal de un tipo que está solo, que cruza sus soledades con otros solitarios. “Este etarra va a la oficina, se encuentra en el parque con su hermana y su sobrino, que en una fiesta liga con una chica… Una cosa muy cotidiana, en la que un día monta en un coche con dos tipos más con los que va a una cafetería y allí desayuna, y de repente (a lo largo de los últimos 20 minutos del metraje) se cruza con los dos policías.

Punto y final, paso de polémicas, de políticas o de si es acertado tocar el siempre complicado del terrorismo de ETA desde este punto de vista, yo solo opino que alavo la valentía de Rosales para experimentar pero que mejor lo haga de cara a sus amigos, que eso de poner la cámara en la lejanía, dedicarse a filmar vidas tremendamete cotidianas, no incluir diálogos o tener que estar atento a los sonidos que se escuchan de fondo no lo aguanto, lo siento.

Cine demasiado abierto, tan amplio que el mismo director ha dicho que no sabe “muy bien qué cuenta o de qué trata el filme”, pretenciosamente estimulante, aunque supongo que para unos pocos (tras observar al resto de los críticos), futurista en cuanto a la búsqueda de nuevos caminos cinematográficos, participativa,… olvídense de ella como yo lo estoy haciendo tras acabar esta mi penúltima frase.

Un mal sueño hablando de cine, un buen vehículo para la polémica si hablamos de otras cosas…

PUNTUACIÓN: 5 (sobre 10)

PERRO COME PERRO de Carlos Moreno
HORIZONTES LATINOS

El Orejón (Blas Jaramillo) es un criminal violento y agorafóbico que vive rodeado de telescopios en un lujoso piso del centro de Cali, Colombia. Cuando asesinan a su ahijado, acude a una sacerdotisa vudú para vengar su muerte lanzándole un maleficio al asesino, Eusebio. Por otro lado, el Orejón contrata a Víctor (Marlon Moreno) para que se haga con el dinero de un par de gemelos escurridizos. Víctor toma la terrible decisión de quebrantar la ley sagrada del mundo de los criminales y se queda con el dinero.

Película representante de Colombia para la mejor película extranjera en los próximos Oscar, exhibida en el Festival de Sundance de este año, y con algún que otro premio interacional.
Descarnada, sangrienta, oscura, sofocante, una thriller en toda regla en donde lo que manda es la imagen y el sonido, en donde los personajes bailan al son del ritmo asfixiante que este director especializado en videoclips le ha imprimido. Una peli a lo Tony Scott pero con la mala leche de Tarantino, un buen producto, eso sí para no todos los estómagos, para no todos las miradas. A destacar el trabajo del actor protagonista (que alcanzó la fama por aquellas tierras con el papel principal de la serie “Sin tetas no hay paraíso”, la versión original de la que actualmente se emite en nuestro país), y del malo malísimo de la función, un actor al que todos han querido homenajear ya que murió poco después de finalizar el rodaje.

Un thriller en clave tragicomedia muy muy negra, con elementos de santería, acción, suspense, y un trabajo muy eficaz de cámara y de ritmo, los planos van y vienen, la música aparece estridente y desaparece silenciosamente (por cierto, excelente banda sonora), los personajes no se pisotean los unos a los otros, todos tienen su porqué (gracias a un buen guión), la acción está dosificada, el ambiente hostil y sofocante se palpa en la cinta desde el principio. Muy lograda.

Abstenerse los que rechacen la sangre, las imágenes mareantes, el acento colombiano, o los que tengan pensado viajar a Colombia alguna vez, la verdad es que el cine de allí no para de retratar un país lleno de sangre, corrupción, y de peligro constante, para el resto, lo pasaréis bien, es una peli de las que hacen afición.

PUNTUACIÓN: 8 (sobre 10)

LOUISE-MICHEL de Benoît Delépine y Gustave Kervern
SECCIÓN OFCICIAL

Una fábrica en algún lugar de la Picardía francesa. Una mañana, las trabajadoras descubren que, durante la noche, lo han liquidado todo y que la dirección, cómplice de la operación, ha desaparecido sin dejar rastro. Escandalizadas, pero realistas, deciden hacer un fondo común con sus ridículas indemnizaciones para reorganizarse. Se consideran varias propuestas hasta que Louise, la más radical de todas, propone, ni más ni menos, ¡contratar a un asesino a sueldo para que mate al jefe!

He de clasificarla como una broma que roza el mal gusto pero que entretiene y te hace reir. Una comedia de los absurdo que te sorprende desde el primer plano, que juega con el espectador en busca de la risa facil a través de las desventuras de unos persoanjes absurdos, irreales y tremendamente patosos, algo así como “Dos tontos muy tontos” o ” Napoleon Dynamite” pero a la francesa.

Comedia negra desde el primer y maravilloso plano inicial en un crematorio, realizada con un alarde de ingenio fuera de toda duda, con una historia que hay que coger con pinzas pero que te acaba seduciendo por el buen trabajo de la pareja protagonista (unos frikis encantadores en un mundo en donde no encajan). A pesar de que el tema central es lo suficientemente serio (el papel de las grandes muntinacionales con la pequeña empresa) , los directores nunca se lo toman en serio, es más, en ningún momento puedes sacar la conclusión de que es algo serio, la película no te da respiro, es un continuo gag tras gag.
“El gag visual en el cine supone el hallazgo de lo imprevisto dentro de una sucesión lógica de acontecimientos, la irrupción de un suceso inesperado que distorsiona la realidad dotándola de nuevos sentidos que provocan la risa en el espectador”.

Vale la pena verla aunque sólo sea para observar detenidamente el trabajo de la pareja protagonista, dos personalidades con mucho en común, a cual más friki, y con la gracia suficiente para que nos creamos todas las marramachadas de las que son capaces de llevar a cabo durante todo el film.
Muy recomendable para mi buen amigo Barry Collins, apuntala porque es de las que te gustan.
Un saludo

PUNTUACIÓN: 6,5 (sobre 10)

LAKE TAHOE de Fernando Eimbcke
ZABALTEGUI - PERLAS DE OTROS FESTIVALES
Premio Alfred Bauer y Premio Fipresci en el Festival de Berlín. “Revelación Fipresci del Año” en la Semana de la Crítica de Cannes.

Juan, un chico de dieciséis años, sufre un accidente automovilístico al tratar de huir de un hogar en el que reina el dolor. Rastrea la ciudad en busca de alguien que le repare el coche y conoce a Don Heber, un viejo mecánico cuya única compañía es Sica, un perro boxer; a Lucía, una joven e ingenua madre que trabaja en una tienda de recambios; y a David, un mecánico obsesionado con Bruce Lee y las artes marciales. A través de sus contactos y los absurdos y desconcertantes mundos en los que viven estos personajes, Juan consigue dar sentido a algo tan natural e inexplicable como es la muerte. Del director de Temporada de patos (Duck Season, 2004).

Cine minimalista al estilo de la fabulosa “Historias mínimas”, cine liviano y sencillo, de planos fijos, basado en una maravillosa fotografía y en el poder envaucador de una cámara que es capaz de extraer lo mejor de cada paisaje, de cada situación, de cada conversación, un cine con pocas palabras (pero porque no son necesarias).

Este mexicano ya llamó la atención con su anterior película, es por ello que el Instituto Sundance apostó por él para su segunda realización, y la verdad es que han dado en la diana, promete y mucho, se le ve cómodo contando pequeñas historias, enclavadas en lugares mínimos, pobres, casi sin vida.
El mismo director nos cuenta: Me gusta trabajar con los menos elementos posibles porque siento que tengo más control de esa manera”
Eimbcke tiene además otro toque personal con los fundidos en negro para pasar de una escena a otra, momento que aprovecha para dar mayor protagonismo al sonido en forma de dialogo porque la película no tiene música. Él piensa que el oído es mucho más inventivo que el ojo y le gusta trabajar con ese recurso.

Como en su primera obra, ‘Temporada de patos’, con la que fue descubierto en el Festival de Cannes en 2004, Fernando Eimbcke dirige una mirada aguda y tierna al mundo de la adolescencia, combinando con maestría drama y humor. Como en la vida.

Repasar lo que llegaron a decir de la película tras su paso por Cannes es clarificador:
El diario Le Monde recalcó “el sentido de la lílote y la sutilidad narrativa del director” y “la belleza plástica del filme”. “Las idas y venidas del personaje revelan un universo, personajes y encadenamientos discretamente desfasados, a la manera de un Jim Jarmuch que hubiera atravesado el Río Grande”, escribió el crítico del periódico, afirmando que “‘Lake Tahoe’ impregna la vista y estimula la imaginación”.
El crítico del diario l’Humanité califica la película de “suculento ensayo de mimimalismo” y afirma que Eimbcke es “una mezcla de Bresson por la exigencia formal, Sergio Leone por la dilatación del tiempo y el espacio, Jim Jarmusch por los personajes desfasados, Aki Kaurismaki por el minimalismo y Tsai Ming-Liang por la extrañeza”.
La revista cinematográfica Première elogió de la misma manera ‘Lake Tahoe’. “Del silencio compacto apenas roto por algunos diálogos emergen escenas tragicómicas que dicen, en filigrana, el fin de la adolescencia, el abandono y la espera”, estimó, agregando que la película “destila una musiquita agridulce y un humor sutil”.
El crítico de la revista Ciné Live lamentó que el espacio de su artículo no fuera suficiente para “dar ganas de descubrir esta pequeña maravilla”. “Con un sentido de la escenificación de increíble precisión, de poesía y de inventividad, pasando del humor a la melancolía con discreta maestría, Eimbcke firma uno de los filmes más entusiasmante y más conmovedores” de esta temporada, afirmó.

Poco más que decir

PUNTUACIÓN: 9 (sobre 10)

Firmado por: “Reverendo” Hary Powell